1024 Architecture

1024 architecture conçoit des œuvres à la croisée de l'art et de l'architecture, orchestrant sons et lumières dans l'espace grâce au code informatique. Fondé en 2007 à Strasbourg par Pier Schneider et François Wunschel, rejoints en 2014 par Nico Merlin, le studio fusionne architecture et arts visuels : installations audiovisuelles pérennes, architectures éphémères, scénographies, performances immersives en temps réel. Des objets d'exposition aux installations monumentales dans l'espace public, 1024 explore l'espace par la géométrie, la lumière, le son et le mouvement, avec une reconnaissance internationale.

Kenia Almaraz Murillo

Kenia Almaraz Murillo (née en 1994 à Santa Cruz de la Sierra, Bolivie) crée des sculptures murales mêlant fils, objets urbains recyclés et lumières LED. Entre héritage familial, identité diasporique et cosmovision andine, ses œuvres célèbrent créatures, animaux et rites ancestraux. Diplômée des Beaux-Arts de Paris, elle explore aussi la peinture et la fresque monumentale. Exposée chez Perrotin, au 19M ou au Musée des Arts et Métiers, elle participe prochainement à une exposition au Museo Fundación Juan March (2026-27). Vit et travaille à Paris, représentée par Waddington Custot.

Tiffany Bouelle

Tiffany Bouelle est une artiste pluridisciplinaire franco-japonaise basée à Paris.  Artiste engagée, elle développe une pratique située à la frontière de l’art et de l’artisanat, fondée sur la répétition, la transmission et la maîtrise du geste. Formée à la calligraphie traditionnelle par son grand-père, maître calligraphe, elle en réinterprète depuis dix ans les codes à travers des outils et des médiums contemporains en développant une technique unique similaire visuellement à de la marqueterie.

Elias Crespin

Elias Crespin (né en 1965 à Caracas) est un artiste vénézuélien installé à Paris.  À la croisée de l’art cinétique, de la programmation et de l’abstraction géométrique, il crée des sculptures en mouvement qui explorent le souffle, le temps et les métamorphoses du vivant. Son travail est présenté dans de grandes institutions internationales, dont le Louvre, le Grand Palais et le Museum of Fine Arts de Houston, et figure dans d’importantes collections publiques et privées.

Carlos Cruz-Diez

Carlos Cruz-Diez (1923-2019) est un artiste franco-vénézuélien, figure majeure de l'art optique et cinétique. Installé en France en 1960, il y développe l'essentiel de son œuvre. Pendant plus de 70 ans, il a exploré la couleur comme une réalité autonome, capable d'évoluer selon le regard et le mouvement de l'observateur. Ses œuvres monumentales et installations sont présentes dans l'espace public et dans les collections des plus grands musées, dont le MoMA de New York, la Tate Modern et le Centre Pompidou.

Caroline Denervaud

Caroline Denervaud (née en 1978 à Lausanne) est une artiste dont la pratique associe performance, peinture et vidéo. Elle utilise des protocoles précis qui mobilisent une conscience élargie du corps et de son environnement. Ces actions donnent naissance à des oeuvres qui interrogent les liens entre le geste, le corps et les systèmes qui les façonnent.  À travers cette pratique hybride, Denervaud a développé un langage visuel abstrait, ancré dans l’expérience vécue du corps. Son travail est exposé en Europe, aux États-Unis et en Asie. 

Guillaume Grando

Guillaume Grando (né en 1978 à Bagnolet, France) vit et travaille à Biarritz.
Artiste pluridisciplinaire, il s’installe à New York en 2008. Son œuvre est présentée aux États-Unis et en Asie.  À cette période, sa pratique du surf entre la Californie et la côte basque nourrit sa recherche. En 2011, il intègre la résine à son travail. Installé à Biarritz depuis 2016, il développe la série Surface et Profondeur, à travers laquelle il explore les interactions entre lumière, matière, espace, reflets, perception et mouvement.

Valentin Guillon

Valentin Guillon, né en 1993 au Mans, diplômé de l'ENSAD en 2016, vit et travaille à Paris. Sa pratique s'étend de la peinture d'atelier au muralisme, en passant par la conception d'expositions et d'installations in situ. Né d'une recherche initialement ancrée dans le sport, son langage abstrait puise dans des formes identifiées, lignes de terrain, courbes de circuits, mais aussi dans l'architecture et la nature. L'appréhension de l'espace et de la composition guide son travail, qu'il déploie désormais aussi sur des supports architecturaux.

Maya Hayuk

Maya Hayuk est une artiste et militante ukraino-américaine de première génération, reconnue à l’international et principalement connue pour ses fresques monumentales, aux couleurs saturées et immédiatement reconnaissables, visibles dans le monde entier. Elle se réapproprie l’ornement et l’artisanat, longtemps relégués au rang de simples éléments décoratifs, en mettant en lumière leurs systèmes cachés et leurs héritages féministes. Ses œuvres de petit format réalisées en atelier lui servent de laboratoires pour explorer la couleur et le rythme, tandis que ses créations murales dans l’espace public donnent à ces recherches une dimension architecturale.

Thomas Heatherwick

Thomas est un designer visionnaire, fervent défenseur de la joie, de l'intérêt et de l'humanité dans nos villes. Depuis 30 ans, il conçoit des quartiers, monuments culturels et modes de transport extraordinaires à travers le monde, et milite contre la « blandémie » de bâtiments fades et nocifs. Son studio, parmi les plus inventifs au monde, mène 30+ projets dans dix pays, dont l'île Nodeul à Séoul, un centre d'astrotourisme en Arabie saoudite et le Terminal 5 de Changi. Parmi ses œuvres passées :  Azabudai Hills à Tokyo, Little Island à New York, le campus Google, le musée Zeitz au Cap et la transformation d'Olympia à Londres.

Caroline Hélain

Artiste plasticienne, Caroline Hélain vit et travaille à Bruxelles. La botanique et les paysages sont ses principales sources d'inspirations. Observatrice attentive du monde qui l’entoure, Caroline Hélain explore les liens entre paysages, matières et mémoire visuelle. Sa recherche artistique, à la croisée de l’art et de l’expérimentation, repose sur une pratique de découpe et de taille à main levée des tissus qu’elle assemble en compositions sensibles où s’entrelacent matières et couleurs.

Patrick Jouin

Patrick Jouin est un designer français dont la pratique s’étend du design industriel à l’architecture intérieure. Depuis la création de son studio en 1998, il collabore avec de grandes maisons telles que Louis Vuitton, Cassina, Alessi ou Pedrali. Son approche, nourrie par l’artisanat et le dessin, s’exprime dans des projets allant du design d’édition au mobilier urbain des futures gares du Grand Paris Express. En 2025, il lance Patrick Jouin Édition, une collection autoéditée célébrant la matière, les savoir-faire et la singularité.

Yunsoo Kim

Yunsoo Kim (née en 1975) collecte des empreintes de pas humaines qu'elle transforme en sculptures : découpées couche par couche dans du vinyle transparent, elles s'accumulent en formes évoquant vagues, vent et nuages. L'empilement révèle un bleu profond, abyssal, teinte que l'on retrouve aussi dans ses dessins. Cet « outremer », littéralement « au-delà de la mer », symbolise pour l'artiste l'inaccessible, l'autre rive, reflet métaphorique de nos vies ancrées dans la nature. Diplômée de l'Université Chung-Ang, elle reçoit le 22e WooMin Art Award en 2024.

Soo Kyoung Lee

Soo Kyoung Lee développe une peinture abstraite et spontanée, où les formes ne sont jamais pensées à l'avance mais émergent au fil du travail, par couches successives d'acrylique. Pour l'artiste, « penser et agir sont simultanés » : chaque geste devient une découverte, faisant naître des masses vibrantes, fluides et organiques. Sur un fond souvent monochrome, ces formes autonomes se déploient en toute liberté, tandis que l'arrière-plan crée un effet de profondeur et enveloppe la couleur comme un cocon. Une peinture pensée comme le résultat d'une série de gestes improvisés et inspirés.

Sarah Morris

Sarah Morris est une artiste et cinéaste britannico-américaine basée à New York. Son travail explore les villes, l'architecture et les systèmes de pouvoir à travers des compositions abstraites et colorées. Reconnue pour sa capacité à transposer l'énergie urbaine en peintures graphiques et précises, elle développe un langage visuel où la géométrie devient le reflet des structures sociales et politiques contemporaines.

Yuko Nishikawa

Yuko Nishikawa, née en 1976, est une artiste japonaise installée à Brooklyn, connue pour ses œuvres oniriques aux formes organiques. Elle a grandi à Chigasaki, une ville côtière située au sud de Tokyo. Elle s’est d’abord orientée vers l’architecture d’intérieur et le design industriel et a étudié au Fashion Institute of Technology de New York, avant de découvrir la céramique, un médium qu’elle a adopté pour développer un langage sculptural singulier, caractérisé par sa fluidité et ses formes poétiques.

Deborah Ory & Ken Browar

Ken Browar et Deborah Ory, couple d'artistes basé à Brooklyn, ont fondé NYC Dance Project pour célébrer l'univers de la danse. Photographe de mode, Ken a découvert sa passion à Paris grâce à l'Opéra de Paris ; danseuse depuis l'enfance, Deborah s'est tournée vers la photographie après une blessure. Publiés dans Harper's Bazaar et Vogue Italia, ils ont produit trois livres, dont The Art of Movement (2016) et Martha Graham Dance Company, 100 Years (2026). Leur travail a été exposé à la Holden Luntz Gallery, au Hunter Museum, à la Lanoue Gallery et, plus récemment, à la Galerie Dior à Paris.

Felipe Pantone

Felipe Pantone (né en 1986 à Buenos Aires) est un artiste argentino-espagnol basé à Valence, en Espagne, dont le travail explore le mouvement, la lumière, la couleur, la transformation et l'ère numérique. Influencé par l'art cinétique et des artistes tels que Carlos Cruz-Diez et Victor Vasarely, il fusionne esthétiques analogique et numérique dans des peintures, murales, sculptures et installations géométriques et vibrantes, créant un mouvement optique qui reflète notre rapport évolutif à la technologie et à la perception.

Simone Pheulpin

Depuis plus de 50 ans, Simone Pheulpin façonne des sculptures et panneaux textiles inspirés de la nature, sans jamais la copier.  À partir de bandes de coton écru pliées et maintenues par des épingles dissimulées, sans dessin préparatoire, elle développe un savoir-faire unique entre trompe-l’œil et matière organique. Révélée à la Biennale de Lausanne en 1987, elle reçoit le Grand Prix de la Ville de Paris et le prix d’honneur du Loewe Foundation Craft Prize. Ses œuvres entrent au V&A, à l’Art Institute of Chicago, au Mobilier National, au CNAP et au Musée des Arts Décoratifs de Paris, qui lui consacre une exposition personnelle en 2021-2022.

Damien Poulain

Damien Poulain est un artiste dont la pratique répond à des invitations diverses, entre design, architecture et environnements bâtis ou naturels. Puisant dans les symboliques shintoïste, primitive et héraldique ainsi que dans la culture numérique contemporaine, il développe un langage visuel universel : textile, peinture, sculpture et architectures éphémères deviennent des systèmes glyphiques de géométrie et de couleur interrogeant notre rapport aux autres et au mystère de l'existence. Exposé à la Villa Noailles, à la Fondation Boghossian et au 21_21 Design Sight de Tokyo, il vit à Paris et travaille dans le monde entier.

Sébastien Preschoux

Depuis plus de 20 ans, Sébastien Preschoux, né en 1974 vivant et travaillant à Paris, explore et expérimente le travail de la ligne et des jeux optiques que celle-ci et ses enchevêtrements peuvent offrir à voir. Ce travail se caractérise par deux pratiques, l’une, en deux dimensions, laissant la place à un travail de couleurs riches et complexes par le biais de la peinture, et l’autre, en trois dimensions, prenant la forme d’installations de fils, offrant ainsi au spectateur une immersion active dans le cinétisme et le plaisir du jeu optique.

Pierre Renart

Pierre Renart est un designer et ébéniste français formé à l’École Boulle. Reconnu pour ses meubles sculpturaux, il combine techniques traditionnelles du travail du bois et technologies modernes. Son travail explore les courbes et le mouvement, donnant au bois une apparence légère et flexible, presque vivante. Ses pièces sont entrées dans les collections de grandes institutions, comme le Mobilier national, le MAD Paris et le Palais des Rois de Sardaigne à Nice.

Xavier Veilhan

Xavier Veilhan (né en 1963 à Lyon) est un artiste français vivant à Paris. Figure majeure de la scène contemporaine, il développe depuis la fin des années 1980 une œuvre mêlant sculpture, installation, film et performance.  À travers des formes épurées et des technologies innovantes, il interroge la perception, l’espace et le mouvement. Ses projets, comme Veilhan Versailles (2009) ou Studio Venezia à la Biennale de Venise (2017), lui ont valu une reconnaissance internationale.

Fabienne Verdier

Fabienne Verdier, née en 1962 à Paris, cartographie les énergies visibles et invisibles qui façonnent les paysages. Formée en Chine dans les années 1980 auprès des maîtres de la peinture traditionnelle, elle invente un langage pictural inédit avec ses pinceaux-pendules et ses outils gravitationnels, explorant la gravité, la vibration et les ondes. Ses œuvres sont conservées dans de grandes collections publiques, du Centre Pompidou au Kunsthaus de Zurich. Son travail a donné lieu à des collaborations avec Jean Nouvel et Alain Berthoz. En 2025, elle expose au Domaine de Chaumont-sur-Loire et au Centre Pompidou-Metz.

Mengzhi Zheng

Mengzhi Zheng (1983, Ruian, Chine) est un artiste plasticien qui vit et travaille à Paris. Sa pratique, située entre sculpture, installation, dessin et architecture, s'appuie sur l'usage de matériaux trouvés, conçus comme des dessins en volume. Ses visions d'espace et ses rêves d'architecture, entre fonction et utopie, résultent de protocoles liés au contexte, aux outils et aux situations de travail. Déployées aussi bien en atelier que dans l'espace public, ses œuvres interrogent les notions d'habitat, de transformation et de rapport à l'environnement.