ARTISTES
1024 Architecture
1024 architecture conçoit des œuvres à la croisée de l'art et de l'architecture, orchestrant sons et lumières dans l'espace grâce au code informatique. Fondé en 2007 à Strasbourg par Pier Schneider et François Wunschel, rejoints en 2014 par Nico Merlin, le studio fusionne architecture et arts visuels : installations audiovisuelles pérennes, architectures éphémères, scénographies, performances immersives en temps réel. Des objets d'exposition aux installations monumentales dans l'espace public, 1024 explore l'espace par la géométrie, la lumière, le son et le mouvement, avec une reconnaissance internationale.
L'Oeuvre et le Mouvement
Avec Volume, les artistes de 1024 Architecture utilisent la lumière comme un matériau de construction. Composée de plans de LED superposés, l’installation fait apparaître un volume qui se transforme en permanence. Inspirée des images produites par les scanners médicaux, elle révèle un espace en perpétuelle recomposition. Ici, le mouvement ne réside pas dans le déplacement d’un objet, mais dans la manière dont la lumière construit et déconstruit le volume.
Kenia Almaraz Murillo
Kenia Almaraz Murillo (née en 1994 à Santa Cruz de la Sierra, Bolivie) crée des sculptures murales mêlant fils, objets urbains recyclés et lumières LED. Entre héritage familial, identité diasporique et cosmovision andine, ses œuvres célèbrent créatures, animaux et rites ancestraux. Diplômée des Beaux-Arts de Paris, elle explore aussi la peinture et la fresque monumentale. Exposée chez Perrotin, au 19M ou au Musée des Arts et Métiers, elle participe prochainement à une exposition au Museo Fundación Juan March (2026-27). Vit et travaille à Paris, représentée par Waddington Custot.
L'Oeuvre et le Mouvement
Issu de la série Le Temple du sommeil, El Pájaro dormilón s'inspire du martinet noir, un oiseau migrateur capable de dormir en plein vol grâce à de brefs micro-sommeils.
Les fils tendus, la lumière et la couleur composent un paysage suspendu où la verticalité de l'envol dialogue avec l'horizontalité apaisante du tissage. À travers cette œuvre textile, Kenia Almaraz Murillo célèbre les rythmes du vivant et l'équilibre subtil qui unit les animaux, la nature et l'être humain.
Tiffany Bouelle
Tiffany Bouelle est une artiste pluridisciplinaire franco-japonaise basée à Paris. Artiste engagée, elle développe une pratique située à la frontière de l’art et de l’artisanat, fondée sur la répétition, la transmission et la maîtrise du geste. Formée à la calligraphie traditionnelle par son grand-père, maître calligraphe, elle en réinterprète depuis dix ans les codes à travers des outils et des médiums contemporains en développant une technique unique similaire visuellement à de la marqueterie.
L'Oeuvre et le Mouvement
Franco-japonaise, Tiffany Bouelle puise dans l'héritage de la calligraphie pour développer un vocabulaire plastique singulier. Chaque geste prolonge le précédent jusqu'à former un rythme organique. Patiemment élaborée "jusqu'à l'épuisement", cette pratique devient sa propre grammaire, à la frontière de la peinture et de la danse. La nature, le voyage et les rencontres constituent les principales sources d'inspiration de son travail. Cette aquarelle a été créée pour la Maison Longchamp, qui exposa en 2023 une série de ses œuvres dans ses boutiques.
Elias Crespin
Elias Crespin (né en 1965 à Caracas) est un artiste vénézuélien installé à Paris. À la croisée de l’art cinétique, de la programmation et de l’abstraction géométrique, il crée des sculptures en mouvement qui explorent le souffle, le temps et les métamorphoses du vivant. Son travail est présenté dans de grandes institutions internationales, dont le Louvre, le Grand Palais et le Museum of Fine Arts de Houston, et figure dans d’importantes collections publiques et privées.
L'Oeuvre et le Mouvement
Avec une lenteur presque imperceptible, Plano Flexionante 7 déploie une sculpture en mouvement dont les variations sont minutieusement composées par Elias Crespin. Suspendus dans l'espace, les éléments d'aluminium recomposent sans cesse une géométrie vivante. Le temps devient ici une matière à part entière, transformant la sculpture en une succession infinie de configurations. L'œuvre invite le visiteur à ralentir pour éprouver un mouvement qui semble ne jamais s'interrompre.
Carlos Cruz-Diez
Carlos Cruz-Diez (1923-2019) est un artiste franco-vénézuélien, figure majeure de l'art optique et cinétique. Installé en France en 1960, il y développe l'essentiel de son œuvre. Pendant plus de 70 ans, il a exploré la couleur comme une réalité autonome, capable d'évoluer selon le regard et le mouvement de l'observateur. Ses œuvres monumentales et installations sont présentes dans l'espace public et dans les collections des plus grands musées, dont le MoMA de New York, la Tate Modern et le Centre Pompidou.
L'Oeuvre et le Mouvement
Avec Physichromie 2710, Carlos Cruz-Diez ne représente pas la couleur : il la fait apparaître. Les fines lamelles qui composent l'œuvre agissent comme un « piège à lumière », selon les mots de l'artiste. Elles captent, réfléchissent et fragmentent les rayons lumineux, faisant naître des couleurs qui n'existent pas sur le support lui-même. À mesure que le visiteur se déplace, ces variations se renouvellent sans cesse. Plus qu'un effet optique, Carlos Cruz-Diez cherche à retrouver les phénomènes lumineux que nous observons dans la nature.
Caroline Denervaud
Caroline Denervaud (née en 1978 à Lausanne) est une artiste dont la pratique associe performance, peinture et vidéo. Elle utilise des protocoles précis qui mobilisent une conscience élargie du corps et de son environnement . Ces actions donnent naissance à des oeuvres qui interrogent les liens entre le geste, le corps et les systèmes qui les façonnent. À travers cette pratique hybride, Denervaud a développé un langage visuel abstrait, ancré dans l’expérience vécue du corps. Son travail est exposé en Europe, aux États-Unis et en Asie.
L'Oeuvre et le Mouvement
Danseuse autant que plasticienne, Caroline Denervaud fait de son corps son premier outil de création. Chaque œuvre naît d'un dialogue entre geste, respiration et couleur, où la peinture devient la trace d'une chorégraphie. Dans Never Stop Playing, les formes semblent poursuivre leur élan bien après leur apparition. Le regard est invité à suivre ce rythme, faisant de la peinture une expérience sensible. L'œuvre ne représente pas le mouvement, elle en conserve l'empreinte, révélant la mémoire du geste dans chaque forme.
Guillaume Grando
Guillaume Grando (né en 1978 à Bagnolet, France) vit et travaille à Biarritz.
Artiste pluridisciplinaire, il s’installe à New York en 2008. Son œuvre est présentée aux États-Unis et en Asie. À cette période, sa pratique du surf entre la Californie et la côte basque nourrit sa recherche. En 2011, il intègre la résine à son travail. Installé à Biarritz depuis 2016, il développe la série Surface et Profondeur, à travers laquelle il explore les interactions entre lumière, matière, espace, reflets, perception et mouvement.
L'Oeuvre et le Mouvement
Avec Surface & Profondeur, Guillaume Grando explore les liens entre matière, lumière et perception. Surfeur, il transpose dans cette œuvre les lumières de l'océan sur la côte basque. Du bleu profond au rouge en passant par le noir, la palette traduit les métamorphoses de la mer et du ciel au fil du jour. La lumière, en glissant sur les reliefs de résine, révèle une profondeur qui se renouvelle au fil des déplacements du visiteur. Le mouvement qui en résulte semble perpétuel.
Valentin Guillon
Valentin Guillon, né en 1993 au Mans, diplômé de l'ENSAD en 2016, vit et travaille à Paris. Sa pratique s'étend de la peinture d'atelier au muralisme, en passant par la conception d'expositions et d'installations in situ. Né d'une recherche initialement ancrée dans le sport, son langage abstrait puise dans des formes identifiées, lignes de terrain, courbes de circuits, mais aussi dans l'architecture et la nature. L'appréhension de l'espace et de la composition guide son travail, qu'il déploie désormais aussi sur des supports architecturaux.
L'Oeuvre et le Mouvement
À la croisée de l'abstraction géométrique et du paysage contemporain, Valentin Guillon compose des images où lignes, formes et couleurs semblent en perpétuelle circulation. Un réseau traverse l'œuvre, changeant d'intensité à chaque frontière. Le bois laissé apparent dialogue avec les aplats colorés, tandis que les contrastes amplifient la sensation de vitesse et guident le regard à travers ces trajectoires. La peinture ne représente pas le mouvement : elle en construit l'expérience, invitant chacun à imaginer ses propres parcours.
Maya Hayuk
Maya Hayuk est une artiste et militante ukraino-américaine de première génération, reconnue à l’international et principalement connue pour ses fresques monumentales, aux couleurs saturées et immédiatement reconnaissables, visibles dans le monde entier. Elle se réapproprie l’ornement et l’artisanat, longtemps relégués au rang de simples éléments décoratifs, en mettant en lumière leurs systèmes cachés et leurs héritages féministes. Ses œuvres de petit format réalisées en atelier lui servent de laboratoires pour explorer la couleur et le rythme, tandis que ses créations murales dans l’espace public donnent à ces recherches une dimension architecturale.
L'Oeuvre et le Mouvement
Conçu comme un diptyque, Head Light #1 déploie une symétrie organique où lignes, couleurs et motifs semblent se propager comme une onde. Les formes évoquent des arbres en feu d'artifice, des ramifications ou des circuits d'énergie qui traversent la toile. Héritière de ses peintures monumentales réalisées dans l'espace public, Maya Hayuk puise dans la rugosité et la poésie du street art autant que dans la richesse des traditions ornementales. Coulures, gestes libres et couleurs vibrantes composent une peinture hypnotique, en perpétuelle expansion.
Thomas Hearherwick
Thomas est un designer visionnaire, fervent défenseur de la joie, de l'intérêt et de l'humanité dans nos villes. Depuis 30 ans, il conçoit des quartiers, monuments culturels et modes de transport extraordinaires à travers le monde, et milite contre la « blandémie » de bâtiments fades et nocifs. Son studio, parmi les plus inventifs au monde, mène 30+ projets dans dix pays, dont l'île Nodeul à Séoul, un centre d'astrotourisme en Arabie saoudite et le Terminal 5 de Changi. Parmi ses œuvres passées : Azabudai Hills à Tokyo, Little Island à New York, le campus Google, le musée Zeitz au Cap et la transformation d'Olympia à Londres.
L'Oeuvre et le Mouvement
Avec la Spun Chair, Thomas Heatherwick réinvente la fonction même de la chaise. Inspirée de la forme d'une toupie, cette assise invite à pivoter, osciller et tourner sur soi-même. Réalisée en cuivre, elle brouille les frontières entre mobilier, sculpture et jeu. Loin d'immobiliser le corps, elle transforme l'équilibre en une expérience en perpétuel ajustement.
Caroline Hélain
Artiste plasticienne, Caroline Hélain vit et travaille à Bruxelles. La botanique et les paysages sont ses principales sources d'inspirations. Observatrice attentive du monde qui l’entoure, Caroline Hélain explore les liens entre paysages, matières et mémoire visuelle. Sa recherche artistique, à la croisée de l’art et de l’expérimentation, repose sur une pratique de découpe et de taille à main levée des tissus qu’elle assemble en compositions sensibles où s’entrelacent matières et couleurs.
L'Oeuvre et le Mouvement
Inspirée par la botanique et les paysages, Caroline Hélain compose des œuvres textiles à la frontière de la figuration et de l'abstraction. Découpés et assemblés à main levée, les tissus superposent couleurs, matières et coutures pour faire naître des horizons où se rencontrent lumière, saison et mémoire. Chaque tableau devient un paysage intime, vibratoire, qui ne représente pas un lieu mais en restitue la sensation, portée par le geste, la matière et les résonances de la couleur.
Patrick Jouin
Patrick Jouin est un designer français dont la pratique s’étend du design industriel à l’architecture intérieure. Depuis la création de son studio en 1998, il collabore avec de grandes maisons telles que Louis Vuitton, Cassina, Alessi ou Pedrali. Son approche, nourrie par l’artisanat et le dessin, s’exprime dans des projets allant du design d’édition au mobilier urbain des futures gares du Grand Paris Express. En 2025, il lance Patrick Jouin Édition, une collection autoéditée célébrant la matière, les savoir-faire et la singularité.
L'Oeuvre et le Mouvement
Conçue pour la Maison Longchamp à l'occasion de la Milan Design Week, cette collection de Patrick Jouin associe l'acier émaillé à des formes d'une grande fluidité. Les couches d'émail, coulées à la main, se déploient librement sur la surface, créant des variations uniques où maîtrise du geste et part d'aléatoire dialoguent. Les reflets animent la matière et transforment la perception des couleurs. Ici, le mouvement naît autant du processus de fabrication que du regard porté sur l'objet.
Yunsoo Kim
Yunsoo Kim (née en 1975) collecte des empreintes de pas humaines qu'elle transforme en sculptures : découpées couche par couche dans du vinyle transparent, elles s'accumulent en formes évoquant vagues, vent et nuages. L'empilement révèle un bleu profond, abyssal, teinte que l'on retrouve aussi dans ses dessins. Cet « outremer », littéralement « au-delà de la mer », symbolise pour l'artiste l'inaccessible, l'autre rive, reflet métaphorique de nos vies ancrées dans la nature. Diplômée de l'Université Chung-Ang, elle reçoit le 22e WooMin Art Award en 2024.
L'Oeuvre et le Mouvement
Réalisées par la superposition de fines feuilles de vinyle transparent, découpées à partir des contours d'empreintes de pas, les sculptures Waves de Kim Yunsoo semblent suspendre le mouvement de l'eau dans un équilibre fragile. En transformant la trace d'un passage humain en une vague, l'artiste brouille les frontières entre nature et présence. Présentées en paire, elles invitent à une contemplation silencieuse, où le mouvement devient le lien subtil entre l'humain et le paysage.
Soo Kyoung Lee
Soo Kyoung Lee développe une peinture abstraite et spontanée, où les formes ne sont jamais pensées à l'avance mais émergent au fil du travail, par couches successives d'acrylique. Pour l'artiste, « penser et agir sont simultanés » : chaque geste devient une découverte, faisant naître des masses vibrantes, fluides et organiques. Sur un fond souvent monochrome, ces formes autonomes se déploient en toute liberté, tandis que l'arrière-plan crée un effet de profondeur et enveloppe la couleur comme un cocon. Une peinture pensée comme le résultat d'une série de gestes improvisés et inspirés.
L'Oeuvre et le Mouvement
Avec Munpei, Soo Kyoung Lee réinterprète une ancienne tradition coréenne : les munpei, panneaux de bois placés à l'entrée des maisons pour en identifier les occupants. L'artiste en conserve le principe tout en remplaçant l'écriture par des formes abstraites et colorées. Présentées en série, ces sculptures composent une partition visuelle où chaque élément dialogue avec les autres. Le regard circule librement d'une forme à l'autre, révélant un mouvement fait de rythmes, de variations et de correspondances.
Sarah Morris
Sarah Morris est une artiste et cinéaste britannico-américaine basée à New York. Son travail explore les villes, l'architecture et les systèmes de pouvoir à travers des compositions abstraites et colorées. Reconnue pour sa capacité à transposer l'énergie urbaine en peintures graphiques et précises, elle développe un langage visuel où la géométrie devient le reflet des structures sociales et politiques contemporaines.
L'Oeuvre et le Mouvement
Avec Telebrás [Rio], Sarah Morris fait référence à l'ancien opérateur public des télécommunications du Brésil. Au regard de l'ensemble de son travail consacré à Rio, cette peinture peut se lire comme une cartographie abstraite des flux urbains. Lignes géométriques, courbes et aplats de couleur composent une ville en perpétuel mouvement, où circulations, rythmes et architecture dialoguent. La surface brillante accentue cette dynamique et invite le regard à suivre une cadence visuelle en constante évolution.
Yuko Nishikawa
Yuko Nishikawa, née en 1976, est une artiste japonaise installée à Brooklyn, connue pour ses œuvres oniriques aux formes organiques. Elle a grandi à Chigasaki, une ville côtière située au sud de Tokyo. Elle s’est d’abord orientée vers l’architecture d’intérieur et le design industriel et a étudié au Fashion Institute of Technology de New York, avant de découvrir la céramique, un médium qu’elle a adopté pour développer un langage sculptural singulier, caractérisé par sa fluidité et ses formes poétiques.
L'Oeuvre et le Mouvement
Inspirée par la forêt de nuages de Mindo, en Équateur, Yuko Nishikawa compose un paysage aérien où chaque élément semble flotter entre ciel et terre. Réalisé en pâte à papier et en fil métallique, ce mobile réagit au moindre souffle, transformant sans cesse sa composition. Les formes oscillent lentement, créant un équilibre fragile entre vide et matière. Ici, le mouvement ne s’impose jamais : il se révèle dans la légèreté, invitant le regard à contempler une nature en perpétuelle recomposition.
Deborah Ory & Ken Browar
Deborah Ory & Ken Browar, couple d'artistes basé à Brooklyn, ont fondé NYC Dance Project pour célébrer l'univers de la danse. Photographe de mode, Ken a découvert sa passion à Paris grâce à l'Opéra de Paris ; danseuse depuis l'enfance, Deborah s'est tournée vers la photographie après une blessure. Publiés dans Harper's Bazaar et Vogue Italia, ils ont produit trois livres, dont The Art of Movement (2016) et Martha Graham Dance Company, 100 Years (2026). Leur travail a été exposé à la Holden Luntz Gallery, au Hunter Museum, à la Lanoue Gallery et, plus récemment, à la Galerie Dior à Paris.
L'Oeuvre et le Mouvement
Réalisée dans le cadre du NYC Dance Project, cette photographie met en scène Charlotte Landreau, alors soliste de la Martha Graham Dance Company, compagnie fondatrice de la danse moderne. En suspendant le corps au sommet de son élan, Deborah Ory & Ken Browar rendent visible l'invisible, révélant la grâce du mouvement. La robe, déployée dans l'espace, prolonge le geste et fait émerger une forme sculpturale.
Felipe Pantone
Felipe Pantone (né en 1986 à Buenos Aires) est un artiste argentino-espagnol basé à Valence, en Espagne, dont le travail explore le mouvement, la lumière, la couleur, la transformation et l'ère numérique. Influencé par l'art cinétique et des artistes tels que Carlos Cruz-Diez et Victor Vasarely, il fusionne esthétiques analogique et numérique dans des peintures, murales, sculptures et installations géométriques et vibrantes, créant un mouvement optique qui reflète notre rapport évolutif à la technologie et à la perception.
L'Oeuvre et le Mouvement
Avec Optichromie Structural Instability 1, Felipe Pantone construit une image en constante mutation. Trames, dégradés, effets de pixellisation et couleurs spectrales créent une illusion d'optique qui déstabilise le regard. Selon le point de vue, les volumes se recomposent et les lignes semblent vibrer. Héritier du graffiti autant que de l'art cinétique, l'artiste fait de la vitesse et de l'instabilité une expérience visuelle.
Simone Pheulpin
Depuis plus de 50 ans, Simone Pheulpin façonne des sculptures et panneaux textiles inspirés de la nature, sans jamais la copier. À partir de bandes de coton écru pliées et maintenues par des épingles dissimulées, sans dessin préparatoire, elle développe un savoir-faire unique entre trompe-l’œil et matière organique. Révélée à la Biennale de Lausanne en 1987, elle reçoit le Grand Prix de la Ville de Paris et le prix d’honneur du Loewe Foundation Craft Prize. Ses œuvres entrent au V&A, à l’Art Institute of Chicago, au Mobilier National, au CNAP et au Musée des Arts Décoratifs de Paris, qui lui consacre une exposition personnelle en 2021-2022.
L'Oeuvre et le Mouvement
À partir de simples bandes de coton brut maintenues par des milliers d'épingles, Simone Pheulpin façonne une matière qui semble animée de l'intérieur. Sans colle ni couture, les plis s'accumulent, se déploient et évoquent tour à tour un fossile, une formation géologique ou une croissance organique. Entre la lenteur des phénomènes naturels et la précision du geste, Éclipse VI donne à voir un mouvement presque imperceptible : celui du temps qui sculpte la matière.
Damien Poulain
Damien Poulain est un artiste dont la pratique répond à des invitations diverses, entre design, architecture et environnements bâtis ou naturels. Puisant dans les symboliques shintoïste, primitive et héraldique ainsi que dans la culture numérique contemporaine, il développe un langage visuel universel : textile, peinture, sculpture et architectures éphémères deviennent des systèmes glyphiques de géométrie et de couleur interrogeant notre rapport aux autres et au mystère de l'existence. Exposé à la Villa Noailles, à la Fondation Boghossian et au 21_21 Design Sight de Tokyo, il vit à Paris et travaille dans le monde entier.
L'Oeuvre et le Mouvement
Avec Bric à Bric, Damien Poulain transforme le visiteur en créateur. Ouverte à tous, cette installation immersive invite à construire, déplacer, empiler ou déconstruire des modules de mousse colorée. L'œuvre évolue au rythme des gestes et des échanges, révélant une architecture en perpétuelle transformation. Fidèle à son univers graphique, composé de formes simples et de couleurs franches et complémentaires, l'artiste célèbre le jeu, la créativité collective et la joie d'inventer ensemble.
Sébastien Preschoux
Depuis plus de 20 ans, Sébastien Preschoux, né en 1974 vivant et travaillant à Paris, explore et expérimente le travail de la ligne et des jeux optiques que celle-ci et ses enchevêtrements peuvent offrir à voir. Ce travail se caractérise par deux pratiques, l’une, en deux dimensions, laissant la place à un travail de couleurs riches et complexes par le biais de la peinture, et l’autre, en trois dimensions, prenant la forme d’installations de fils, offrant ainsi au spectateur une immersion active dans le cinétisme et le plaisir du jeu optique.
L'Oeuvre et le Mouvement
Chez Sébastien Preschoux, le mouvement naît autant de l'œuvre que de celui qui la regarde. Jouant avec les illusions d'optique, l'artiste compose un réseau de lignes où les formes apparaissent, disparaissent et se recomposent au gré des déplacements du spectateur. Chaque point de vue révèle une nouvelle configuration, faisant de la perception une expérience ludique en perpétuel mouvement. Flora doit son titre à la dernière personne que l'artiste a vue avant d'achever cette œuvre.
Pierre Renart
Pierre Renart est un designer et ébéniste français formé à l’École Boulle. Reconnu pour ses meubles sculpturaux, il combine techniques traditionnelles du travail du bois et technologies modernes. Son travail explore les courbes et le mouvement, donnant au bois une apparence légère et flexible, presque vivante. Ses pièces sont entrées dans les collections de grandes institutions, comme le Mobilier national, le MAD Paris et le Palais des Rois de Sardaigne à Nice.
L'Oeuvre et le Mouvement
Réalisée pour la Milan Design Week dans le cadre d'une collaboration avec la Maison Longchamp, la banquette Wave Cuir illustre la maîtrise technique et la recherche formelle de Pierre Renart. En associant le noyer d'Amérique au cuir de vachette, le designer transforme des matériaux rigides en une courbe d'une étonnante fluidité. Les lignes semblent se déployer sans rupture, évoquant le mouvement d'une vague suspendue. Entre innovation, savoir-faire et élégance, cette création fait du mouvement une véritable structure.
Xavier Veilhan
Xavier Veilhan (né en 1963 à Lyon) est un artiste français vivant à Paris. Figure majeure de la scène contemporaine, il développe depuis la fin des années 1980 une œuvre mêlant sculpture, installation, film et performance. À travers des formes épurées et des technologies innovantes, il interroge la perception, l’espace et le mouvement. Ses projets, comme Veilhan Versailles (2009) ou Studio Venezia à la Biennale de Venise (2017), lui ont valu une reconnaissance internationale.
L'Oeuvre et le Mouvement
Suspendu sous la verrière, Mobile n°3 trouve ici une architecture qui révèle pleinement la démarche de Xavier Veilhan. Pour l'artiste, les mobiles évoquent la continuité d'un présent insaisissable : ils matérialisent l'air en mouvement ainsi que les cycles continus du temps. La hauteur, la lumière naturelle et les plus infimes courants d'air animent la sculpture, dont les éléments recomposent sans cesse leurs relations. L'espace lui-même devient l'un des matériaux de l'œuvre.
Fabienne Verdier
Fabienne Verdier, née en 1962 à Paris, cartographie les énergies visibles et invisibles qui façonnent les paysages. Formée en Chine dans les années 1980, et durant une décennie, auprès de maîtres de la peinture traditionnelle, elle invente un langage pictural inédit avec ses pinceaux-pendules et outils gravitationnels, explorant gravité, vibration et ondes. Ses œuvres sont conservées dans de grandes collections publiques, du Centre Pompidou au Kunsthaus de Zurich. Elle collabore avec Jean Nouvel et Alain Berthoz, et expose en 2025 au Centre Pompidou-Metz et à la Cité de l’architecture et du patrimoine.
L'Oeuvre et le Mouvement
Dans Marche bleue, Fabienne Verdier fait du geste le sujet même de la peinture. Réalisée à l'aide d'un pinceau monumental suspendu, l'œuvre capte l'énergie d'un mouvement unique, où le corps, le souffle et la matière ne font qu'un. Déployée sur quatre panneaux, la ligne traverse l'espace comme une calligraphie en suspension. Entre maîtrise et spontanéité, la peinture conserve la mémoire d'un élan devenu trace.
Mengzhi Zheng
Mengzhi Zheng (1983, Ruian, Chine) est un artiste plasticien qui vit et travaille à Paris. Sa pratique, située entre sculpture, installation, dessin et architecture, s'appuie sur l'usage de matériaux trouvés, conçus comme des dessins en volume. Ses visions d'espace et ses rêves d'architecture, entre fonction et utopie, résultent de protocoles liés au contexte, aux outils et aux situations de travail. Déployées aussi bien en atelier que dans l'espace public, ses œuvres interrogent les notions d'habitat, de transformation et de rapport à l'environnement.
L'Oeuvre et le Mouvement
Avec Esquisse aux vents n°8, Mengzhi compose une sculpture légère où le rotin, le papier et le bois trouvent un équilibre fragile. Courbes, lignes et surfaces colorées s'organisent dans une composition d'une grande légèreté. Inspirée par les mouvements de l'air, l'œuvre transpose dans l'espace des forces invisibles. Mengzhi décline cette recherche à différentes échelles, certaines de ses œuvres donnant lieu à des réalisations monumentales. Ici, le vent devient le trait qui dessine l'espace.
Mathieu Forget & Victoria Dauberville
Mathieu Forget et Victoria Dauberville forment un duo artistique français explorant la rencontre entre danse classique et modernité. Formée à l'École de danse de l'Opéra de Paris puis au CNSMD de Paris, Victoria Dauberville a dansé pour plusieurs compagnies avant de fonder la sienne, mêlant ballet classique, hip-hop et danse contemporaine. À ses côtés, Mathieu Forget, danseur, acrobate et photographe surnommé « the flying man » pour sa signature autour de la lévitation, capture et met en scène leurs performances, jouant sur le contraste entre rigueur classique et gestes modernes.
Marie-Agnès Gillot
Danseuse Étoile du Ballet de l'Opéra national de Paris et chorégraphe, Marie-Agnès Gillot a marqué la scène française par son interprétation des grands rôles classiques et son engagement auprès des chorégraphes contemporains. Entrée à l'École de danse à 9 ans, elle intègre le Ballet à 15 ans et est nommée Étoile en 2004 à l'issue de Signes de Carolyn Carlson. Elle travaille avec Béjart, Bausch, Forsythe, Preljocaj ou Ek, et développe son propre travail chorégraphique, notamment Sous Apparence en 2012. Depuis ses adieux à l'Opéra en 2018, elle poursuit son parcours entre création, scène et transmission.
Carmel Loanga
Originaire du Gabon, Carmel Loanga se forme à la danse par le Popping avant de devenir danseuse et chorégraphe Hip-Hop. En 2014, elle intègre la compagnie « Swaggers » sous l'égide de Marion Motin, puis crée avec Karim KH le groupe « Sales Mômes ». Elle fonde ensuite la Cie Carmel Loanga, avec laquelle elle produit The Dress, L'ivresse des Lucioles et 11Kif. Formée au cinéma, elle élabore sa scénographie comme un scénario, mettant en lumière les émotions et la connexion entre danseurs. Sa direction artistique, fondée sur le mouvement continu et le « Less Is More », inspire aujourd'hui les élèves du LAX Studio.
Mattias Mimoun
Mattias Mimoun débute le piano à six ans et développe très tôt une approche instinctive de l'instrument. Adolescent, il découvre le jazz, l'improvisation, la liberté rythmique et la puissance émotionnelle de l'harmonie, posant les bases de sa signature : créer des ponts entre les cultures musicales. Pendant ses études supérieures, il se plonge dans la culture DJ et les musiques électroniques. De cette double identité, pianiste classique et DJ, naît son concept signature, le DJ set au piano, performance hybride et virtuose transformant le piano en platines acoustiques.
Laura Nala
Laura Nala est danseuse, chorégraphe, directrice de mouvement et pédagogue, figure incontournable du hip-hop français, plusieurs fois championne en freestyle. En 2016, elle cofonde la compagnie Mazelfreten avec Brandon Masele, développant une écriture chorégraphique singulière portée sur les scènes internationales : le tableau « Obscurité » des JO de Paris 2024, puis le Half-Time Show de la Coupe du Monde FIFA 2026 aux côtés de Madonna. Engagée dans la transmission, elle crée en 2018 « À la manière de » et développe INTRO – La danse en vrai, programme de professionnalisation pour les femmes des danses urbaines.
Neffah Twins
Cheyenne & Logane sont un duo d'artistes du mouvement et directrices créatives basées à Paris. Diplômées en direction artistique et communication de la mode, elles puisent dans cette double formation une sensibilité visuelle singulière, qu'elles déploient à travers la chorégraphie et le freestyle. Leur parcours, nourri par des spectres créatifs variés, leur a permis de forger un vocabulaire artistique propre, à la croisée de la mode, du mouvement et de l'image, où chaque geste devient une signature.
We Are One
We Are One est la chorale Soul & R'n'B française de référence, réunissant une vingtaine de chanteuses et chanteurs passionnés aux origines multiples. Depuis plus de 20 ans, elle puise son identité dans les musiques africaines, caribéennes, européennes et américaines, célébrant des valeurs universelles qui parlent à toutes les générations. Sa signature musicale se déploie à travers compositions originales francophones et reprises entièrement ré-arrangées, offrant un son puissant, proche de l'énergie du Gospel. Portée par une exigence artistique forte, chaque performance devient une expérience collective, mêlant puissance vocale, énergie scénique et émotion brute.
Mathieu Forget & Victoria Dauberville
Mathieu Forget et Victoria Dauberville forment un duo artistique français explorant la rencontre entre danse classique et modernité. Formée à l'École de danse de l'Opéra de Paris puis au CNSMD de Paris, Victoria Dauberville a dansé pour plusieurs compagnies avant de fonder la sienne, mêlant ballet classique, hip-hop et danse contemporaine. À ses côtés, Mathieu Forget, danseur, acrobate et photographe surnommé « the flying man » pour sa signature autour de la lévitation, capture et met en scène leurs performances, jouant sur le contraste entre rigueur classique et gestes modernes.
Marie-Agnès Gillot
Danseuse Étoile du Ballet de l'Opéra national de Paris et chorégraphe, Marie-Agnès Gillot a marqué la scène française par son interprétation des grands rôles classiques et son engagement auprès des chorégraphes contemporains. Entrée à l'École de danse à 9 ans, elle intègre le Ballet à 15 ans et est nommée Étoile en 2004 à l'issue de Signes de Carolyn Carlson. Elle travaille avec Béjart, Bausch, Forsythe, Preljocaj ou Ek, et développe son propre travail chorégraphique, notamment Sous Apparence en 2012. Depuis ses adieux à l'Opéra en 2018, elle poursuit son parcours entre création, scène et transmission.
Carmel Loanga
Originaire du Gabon, Carmel Loanga se forme à la danse par le Popping avant de devenir danseuse et chorégraphe Hip-Hop. En 2014, elle intègre la compagnie « Swaggers » sous l'égide de Marion Motin, puis crée avec Karim KH le groupe « Sales Mômes ». Elle fonde ensuite la Cie Carmel Loanga, avec laquelle elle produit The Dress, L'ivresse des Lucioles et 11Kif. Formée au cinéma, elle élabore sa scénographie comme un scénario, mettant en lumière les émotions et la connexion entre danseurs. Sa direction artistique, fondée sur le mouvement continu et le « Less Is More », inspire aujourd'hui les élèves du LAX Studio.
Mattias Mimoun
Mattias Mimoun débute le piano à six ans et développe très tôt une approche instinctive de l'instrument. Adolescent, il découvre le jazz, l'improvisation, la liberté rythmique et la puissance émotionnelle de l'harmonie, posant les bases de sa signature : créer des ponts entre les cultures musicales. Pendant ses études supérieures, il se plonge dans la culture DJ et les musiques électroniques. De cette double identité, pianiste classique et DJ, naît son concept signature, le DJ set au piano, performance hybride et virtuose transformant le piano en platines acoustiques.
Laura Nala
Laura Nala est danseuse, chorégraphe, directrice de mouvement et pédagogue, figure incontournable du hip-hop français, plusieurs fois championne en freestyle. En 2016, elle cofonde la compagnie Mazelfreten avec Brandon Masele, développant une écriture chorégraphique singulière portée sur les scènes internationales : le tableau « Obscurité » des JO de Paris 2024, puis le Half-Time Show de la Coupe du Monde FIFA 2026 aux côtés de Madonna. Engagée dans la transmission, elle crée en 2018 « À la manière de » et développe INTRO – La danse en vrai, programme de professionnalisation pour les femmes des danses urbaines.
Neffah Twins
Cheyenne & Logane sont un duo d'artistes du mouvement et directrices créatives basées à Paris. Diplômées en direction artistique et communication de la mode, elles puisent dans cette double formation une sensibilité visuelle singulière, qu'elles déploient à travers la chorégraphie et le freestyle. Leur parcours, nourri par des spectres créatifs variés, leur a permis de forger un vocabulaire artistique propre, à la croisée de la mode, du mouvement et de l'image, où chaque geste devient une signature.
We Are One
We Are One est la chorale Soul & R'n'B française de référence, réunissant une vingtaine de chanteuses et chanteurs passionnés aux origines multiples. Depuis plus de 20 ans, elle puise son identité dans les musiques africaines, caribéennes, européennes et américaines, célébrant des valeurs universelles qui parlent à toutes les générations. Sa signature musicale se déploie à travers compositions originales francophones et reprises entièrement ré-arrangées, offrant un son puissant, proche de l'énergie du Gospel. Portée par une exigence artistique forte, chaque performance devient une expérience collective, mêlant puissance vocale, énergie scénique et émotion brute.
